Новое предложение в начале: В мире театра каждая новая постановка открывает зрителям уникальный мир искусства.

Новое предложение в середине: Оперетта "Жирофле-Жирофля" представляет собой яркое сочетание музыки и комедии, которое покоряет сердца зрителей.

Новое предложение в конце: Шедевры XIX века оживают на сцене благодаря таланту режиссера и профессионализму исполнителей.

В мире театра каждая новая постановка открывает зрителям уникальный мир искусства. Оперетта "Жирофле-Жирофля" представляет собой яркое сочетание музыки и комедии, которое покоряет сердца зрителей. Санкт-Петербургский Театр музыкальной комедии выпустил премьеру этой озорной оперетты на музыку французского композитора Шарля Лекока. "Жирофле-Жирофля" - классический образец театральной буффонады, "извлеченной из пыльных парижских тайников XIX века". Постановка спектакля на сцене музыкального театра с профессиональными певцами и музыкантами - это уникальный опыт для режиссера драматического театра? Геннадий Тростянецкий, режиссер постановки, подчеркивает, что это, безусловно, уникальный опыт, но не первый в этом театре - несколько лет назад он поставил здесь спектакль "Белый. Петербург". Шедевры XIX века оживают на сцене благодаря таланту режиссера и профессионализму исполнителей.

Геннадий Тростянецкий: Начало пути к победе на фестивале "Золотая маска" было полно неожиданностей. Театр музкомедии, где я реализовал свою идею спектакля "Петербург", был для меня незнакомым местом. Подойдя к директору Юрию Шварцкопфу, я сразу же вдохновленно представил ему концепцию спектакля, "протанцевав" его в его кабинете. Удивительно, но он сразу же согласился: "Давайте!" Так началась наша работа над музыкальной мистерией по мотивам романа Андрея Белого "Петербург".

Этот монументальный спектакль, вдохновленный сложнейшим романом, стал настоящей лебединой песней композитора Георгия Фиртича. Его драматизм и музыкальность поразили зрителей, и мы с гордостью представили его на фестивале "Золотая маска" в семи номинациях. Победа была заслужена, ведь спектакль "Петербург" стал не просто комической оперой, а настоящим художественным произведением, полным эмоций и глубокого смысла.

За девять лет путешествия по городам и странам, мы провели 90 спектаклей, привлекая внимание публики своим уникальным подходом к театральному искусству. Этот спектакль стал для нас не просто работой, а настоящим творческим путешествием, которое навсегда останется в наших сердцах.

Год назад раздался звонок от главного дирижера театра Андрея Алексеева: "У нас идея: а не поставить ли вам оперетту, чистую оперетту - совершенно легкий жанр, где артисты поют, шутят, и танцуют?". И я с легкостью согласился на это, как оказалось, совсем нелегкое дело - где артисты поют, шутят и танцуют, при этом, заметьте - совсем без микрофонов. А иначе какой же это чистый жанр? И каждый раз - аншлаги, зал встает, устраивает овацию. И вдруг - Шарль Лекок?

Геннадий Тростянецкий: Действительно - вдруг! Шарль Лекок, великий талант опереттной сцены, внезапно вступил в игру. Его появление добавило в представление неповторимого шарма и энергии, заставив зрителей держать дыхание. Роль, которую он исполнил, оказалась для него как вторая кожа, словно он родился для этого момента. И теперь каждый спектакль с его участием становился событием, о котором говорили не только в театральных кругах, но и за его пределами.

Каждый шаг Лекока на сцене был точен, каждая нота в его исполнении звучала как музыка к самым глубоким чувствам зрителей. Его талант был способен трогать души и пробуждать в людях те эмоции, которые они давно забыли. И вот, когда зал вновь взрывался аплодисментами, Шарль Лекок понимал, что именно для этого он живет - чтобы дарить людям радость и волшебство искусства оперетты.

Давно знаком с вашей преданностью к работе, и уверен, что вы уделили особое внимание подготовке, тщательно изучив музыкальный материал и либретто.

Геннадий Тростянецкий: Как истинный ценитель искусства, я начал свое погружение в историю постановок оперы "Жирофле и Жирофля". Интересно, что в интернете можно найти не так много информации об этом произведении. Первое представление оперы-буфф состоялось в далеком 1874 году в Брюсселе. Однако настоящую сенсацию в России создал Александр Таиров в 1922 году, поставив яркую и эксцентричную постановку с участием великолепной Алисы Коонен в роли Жирофле. Этот спектакль-эксперимент в московском Камерном театре вызвал шок у зрителей. На гастролях в Париже он стал настоящим хитом, привлекая внимание даже таких известных личностей, как Жан Кокто и Пабло Пикассо.

Театр всегда был для меня источником вдохновения и восторга. Я помню, как в юности случайно наткнулся в букинистическом магазине на раритетное издание 1937 года "Художники Камерного театра" с потрясающими цветными репродукциями. Эти эскизы Георгия Якулова к таировскому спектаклю оставили в моей душе неизгладимый след.

Просматривая страницы книги, я осознавал: наш театр должен измениться, развиваться, стать более современным и проникнутым новыми идеями. Именно в таких моментах я понимал, что искусство способно вдохновить на перемену.

И вот, когда театральная библиотека предоставила нам текст премьерного либретто, русский перевод, затем - русский текст 1894 года, я обнаружил, что оба либретто отличались вялостью, надуманностью, отсутствием юмора. Это заставило меня задуматься о том, как важно сохранять живость и актуальность в театральном искусстве, чтобы оно продолжало волновать и вдохновлять зрителей.

Когда речь идет о создании либретто для спектакля, важно учитывать не только музыкальную составляющую, но и остроту и юмор текста. В 1922 году Адуев и Арго создали либретто для Таирова, наполненное цитатами из мировой драматургии и яркими репликами, которые отражали актуальные темы и настроения. Этот подход определил стиль и характер спектакля, добавив ему изюминку и остроту.

Сотрудничество авторов либретто, таких как вы и Сергей Плотов, играет ключевую роль в создании уникального и запоминающегося текста. Работа над либретто - это творческий процесс, требующий взаимопонимания, вдохновения и гармонии идей.

Сочинение либретто для спектакля - это не просто написание текста, это создание целого мира, где переплетаются сюжетные линии, характеры персонажей и диалоги. Важно уметь передать эмоции, создать атмосферу и заставить зрителя задуматься.

Геннадий Тростянецкий: Сергей - талантливый поэт и драматург, чья креативность не знает границ. Его юмор - источник вдохновения для многих. Я помню, как он был моим учеником в Омске, и какими смелыми решениями он отличался даже тогда. Однажды он решил написать стихи к пьесе омского драматурга и актера Володи Гуркина "Любовь и голуби", и теперь этот музыкальный спектакль с его творчеством покоряет сердца зрителей по всей стране.

Мне всегда нужен партнер по творчеству, когда я работаю над текстом для спектакля. Я беру на себя создание сюжета, диалогов, развитие сюжетной линии, но стихи - это область, в которой блестит Сергей. Он отлично чувствует ритм и мелодию слов, придавая им особое звучание и эмоциональную глубину.

Совместная работа с Сергеем - это настоящее творческое путешествие, где каждое слово, каждая фраза пропитаны нашим взаимопониманием и взаимодействием. Мы обсуждаем каждую деталь, каждую ноту, чтобы создать спектакль, который будет живым и запоминающимся для зрителей. В этом процессе я учусь у него каждый раз что-то новое, и это невероятно вдохновляет меня как творческую личность.

Для нас с Сережей ритм был не просто пульсацией спектакля, а настоящим богом, определяющим каждое движение на сцене. Вместе мы создавали, вдохновлялись друг другом, и наша совместная работа была насыщена этим единством. С художником и хореографом нам пришлось преодолеть несколько трудностей, но в итоге на сцене возникла неповторимая атмосфера, наполненная красотой и гармонией.

Однако, основной задачей для нас, актеров, было не просто исполнить свои роли, а стать настоящими сочинителями спектакля. Мы стремились почувствовать каждую ноту иронии, каждый момент гротеска, каждую деталь, которая делала наше выступление уникальным. Важно было не просто играть, а создавать живое искусство, которое было бы понятно и зрителям.

Именно поэтому наша комическая опера "Сен-Лекок" стала не просто спектаклем без микрофонов, а настоящим произведением искусства, где каждый участник вносил свой вклад в общее творческое начинание. Работа над каждым жестом, каждым взглядом, каждым словом была настолько важна, что мы не могли позволить себе упустить ни одной мелочи.

В мире театра смена жанров и атмосферы после серьезных спектаклей может быть как глотком свежего воздуха. Но какие истории скрываются за этими переменами? Давайте вспомним случай из студенческих лет Геннадия Тростянецкого. В то время они с товарищами затеяли постановку рассказа Володина "Стыдно быть несчастливым". Несмотря на то, что сам Александр Моисеевич казался недосягаемым, они решились позвонить ему. И что же случилось? Он пригласил их к себе домой! Там был чай, разговоры об искусстве, воспоминания о недавней премьере "Дульсинеи Тобосской" в Театре Ленсовета. В этой постановке играли такие талантливые актеры, как Алиса Фрейндлих и Михаил Боярский.

Театр всегда был для меня местом, где открывается душа и происходит настоящее взаимодействие между актерами и зрителями. Именно поэтому, когда Володин спросил меня, как мне понравился спектакль, я почувствовал, что это не просто вопрос, а возможность поделиться своими впечатлениями и эмоциями. Будучи студентом курса Товстоногова, я всегда ценил искусство и стремился к глубокому пониманию театрального процесса.

Вспоминая слова Володина о простодушии в театре, я осознаю, что именно в этой простоте искренности искрится истинная суть искусства. Простодушие - это не наивность, а искренность, которая проникает сквозь все слои и формы, достигая сердец зрителей. Ведь именно через искренность и непосредственность происходит настоящее взаимодействие между актерами и зрителями, создавая магию театрального момента.

Когда Володин поделился своим восторгом по поводу спектакля, я почувствовал, что истинное искусство не нуждается в излишествах и изысках, оно просто существует, переливаясь из сердца в сердце. Эта искренность и непосредственность делают театр уникальным местом, где каждый зритель может найти что-то особенное и значимое для себя.

"Простота" - это не просто отсутствие сложности, это искусство, которое каждый поэт стремится обрести. Это "легкое дыхание" и "легкий жанр", где даже молчание может быть пронизано музыкой.

Помните, как Толстой в "Войне и мире" говорил о том, что все великие мысли всегда просты? Эта истина актуальна и в искусстве.

С первой секунды наше представление должно зацепить зрителя за душу. Юмор - это мост между сценой и зрителем, который позволяет им соприкоснуться. Когда зритель смеется, радуется, узнает себя в персонажах, даже в их недостатках, или когда его сердце замирает, это значит, что мы достигли "огромных последствий" нашей работы. Ведь именно этого мы стремились достичь, репетируя оперетту "Жирофле-Жирофля" Шарля Лекока.

Наша работа с актерами, художниками, хореографами, дирижером Алексеевым, бутафорами, реквизиторами, музыкантами, костюмерами, хористами, портными, гримерами, балерунами, настройщиками роялей и застройщиками декораций была пронизана наивными, простодушными мыслями. Мы все вместе творили сказку, где каждый элемент, будь то остров, слон, верблюд, велосипед или пираты, придавал спектаклю особый колорит. Именно в этой атмосфере возникла фраза Карлсона: "Он улетел, но обещал вернуться", словно напоминание о том, что даже в серьезной работе взрослых место есть для волшебства и детства. Все мы, будучи такими серьезными взрослыми, находили в себе частичку детской веры в чудеса, которая вдохновляла нас создавать магию на сцене.

Геннадий Тростянецкий: Да, это уже мой пятый набор в РГИСИ. Первый раз я попал на этот курс в 1996 году. Тогда случилась интересная история: режиссерский курс остался без педагога, и мне позвонили ректор Сундстрем и завкафедрой Додин с просьбой взяться за это дело. Я согласился и предложил свою, довольно рисковую программу. Это был настоящий вызов, но результаты меня поразили: мы совместно с курсантами посетили США, провели проект с Йельской школой драмы и успешно поставили спектакль "Ревизор" по режиссерским записям Мейерхольда. Наша театральная школа была достойно представлена, и это было для меня важным моментом в карьере.

Возникает вопрос: что же такое искусство в наше время? Какие ценности передавать следующему поколению? Стоит ли мне, как преподавателю, вмешиваться в их мир, полный новых технологий и трендов? После второго актерско-режиссерского набора наступила долгая пауза, продолжавшаяся целых 12 лет. За это время театр претерпел значительные изменения, а жизнь сама по себе стала совсем другой. Каким образом об этом рассказать молодым артистам?

И вот снова звонок от Додина, и я снова оказался на курсе. Причиной были убедительные аргументы: все выпускники предыдущих групп мастерской смогли достичь успеха в театре, кино и телевидении, не связывая свою карьеру с менеджментом или гостиничным бизнесом. Но каково будет будущее нашего театра, если сегодняшние абитуриенты часто описывают как неинтересных, малообразованных и нечитающих? Неужели искусство потеряло свое влияние на молодежь, или же просто нужно найти новые подходы к обучению и воспитанию?

На курс Товстоноговской мастерской в 1974 году поступили студенты с высшим образованием, но сегодня среди абитуриентов много молодых людей. Некоторые из них мечтали о театре еще со школьной скамьи, а другие приняли решение всего месяц назад. Однако, как отмечает Геннадий Тростянецкий, это не имеет принципиального значения для итогового результата.

Среди 350 поданных заявлений на курс были отобраны всего 18 человек. Это талантливая молодежь со всей страны: Иркутск, Липецк, Москва, Питер, Набережные Челны, Новосибирск, Казань, Хакасия, Сербия... И даже парень с девушкой из Китая, которые, к слову, проявили себя как очень способные артисты.

Интересно, как разнообразие происхождения и образования студентов влияет на атмосферу и результаты обучения в мастерской. Важно учитывать, что каждый из них приносит в группу свой уникальный опыт и видение театрального искусства.

Тема гендерного равенства в искусстве становится все более актуальной и обсуждаемой. И снова преобладают девушки? Об этом говорят режиссеры театра и кино. Сейчас настало время, когда возможность высказаться не зависит от гендерной принадлежности. У нас наоборот - парней больше.

Геннадий Тростянецкий, известный режиссер, подчеркивает, что важно не столько количество мужчин или женщин в искусстве, сколько возможность каждого выразить себя и свои идеи. Экзамены (мы их называем творческие туры) длились две недели и, по сути, содержат в себе весь план дальнейшего обучения, а семестры становятся продолжением вступительных экзаменов. Надо понимать, что "обучение", "учить" - относительные понятия, известно: научить режиссуре нельзя, но научиться можно. Чему?

Именно в процессе обучения молодые таланты находят свой голос и стиль, развиваясь как профессионалы и личности. Важно, чтобы каждый студент, независимо от пола, имел равные возможности для самовыражения и реализации своего творческого потенциала.

Представьте себе ситуацию: вы стоите в очереди за билетом, и когда наконец добираетесь до кассы, на билете вы видите пословицу: "На воре шапка горит" или "Горя бояться - счастья не видать". Вокруг вас еще двое-трое абитуриентов, которые также получают подобные билеты. Как бы вы создали короткую сценку на эту тему, чтобы она была интересной, смешной и не лишенной смысла?

Давайте представим, что в этой сценке главный герой, увидев пословицу на билете, начинает размышлять о своей удаче и судьбе. Он решает поделиться своими мыслями с другими абитуриентами, и вместе они начинают искать скрытый смысл пословицы, пытаясь понять, как она может повлиять на их будущее.

В процессе обсуждения пословицы герои начинают придумывать различные ситуации, в которых она могла бы быть применена, и какие уроки можно извлечь из нее. Возможно, весь этот разговор приведет к неожиданным выводам и изменит взгляды героев на жизнь.

И вот, когда время подходит к концу, главный герой вдруг осознает, что пословица на его билете имела глубокий смысл, который он раньше не замечал. Он понимает, что нужно научиться видеть истину даже в мелочах, чтобы не упустить возможность изменить свою судьбу.

Таким образом, короткая сценка на основе пословицы на билете становится не только забавным развлечением, но и поводом задуматься о значении случайных событий в нашей жизни.

Во время подготовки к следующему туру напряжение в группах становилось все более ощутимым. Каждая команда, состоящая из пяти-шести участников, стремилась создать захватывающий десятиминутный спектакль о петербургских мостах. Они выбирали свои объекты изучения: Львиный мостик, Банковский и другие архитектурные шедевры города.

Подготовка к коллоквиуму ставила перед участниками новые вызовы. Вопросы о режиссуре, количестве персонажей в басне "Ворона и Лисица", ценностях и нравственных убеждениях заставляли участников задуматься. Почему именно Печорин, а не Петров или Сидоров? Что важно в личности каждого из них?

Наконец, наступил момент истинного испытания - коллоквиум. Участники должны были проявить свои знания и умения, а также поделиться своими взглядами на великих русских писателей. Вопрос о том, согласны ли они с утверждением "Пушкин - наше всё", открывал глубокие дискуссии о литературном наследии и роли классиков в современном мире.

Когда речь заходит о задании "Моя биография", перед студентами возникает множество эмоций и воспоминаний. Невозможно забыть глаза ребят за минуту до объявления результатов… Поступившие получили задание на лето. Называется оно "Моя биография". Каждый раз на первом курсе мы даем такое задание: вы узнали наш институт, а институт еще вас не знает. У вас есть месяц. Познакомьте нас с папой, мамой, дядей Борей, собачкой Тузиком, вредным соседом или любимым учителем.

Это задание ставит перед студентами задачу не только рассказать о своей семье, но и проникнуть в историю своих предков, понять свои корни и ценности. Поговорите с родителями: детство, юность, первый поцелуй, предательство, победа…Сделайте спектакль на десять минут в стиле того театра, о котором мечтаете. Без особых декораций, с минимумом реквизита.

Как говорил Немирович, выходят двое, расстилают коврик, и начинается Театр. Это задание не только развивает творческие способности студентов, но и помогает им лучше понять и оценить свое прошлое, свою семью и свои жизненные пути.

Геннадий Тростянецкий: Мы, как учителя, должны не только цитировать своих наставников, но и находить индивидуальный подход к каждому студенту. Ведь когда студенты спрашивают нас о методах обучения, мы должны помнить, что каждый из них уникален и имеет свой собственный путь в театре. Поэтому, важно не просто передавать знания, но и вдохновлять студентов на поиск собственного творческого пути.

Необходимо помнить слова философа Мамардашвили, который говорил, что человек - это постоянная попытка стать собой. Точно так же и режиссер - это не просто профессия, а стремление стать настоящим творцом на сцене. И каждый ученик, в свою очередь, должен видеть в себе потенциал стать настоящим учеником, готовым к саморазвитию и самосовершенствованию.

Поэтому, когда студенты доверяют нам, как учителям, они открывают для себя не просто новые методики и техники, но и возможность раскрыть свой творческий потенциал и найти свое место в мире театра. Ведь искусство не столько в передаче знаний, сколько в вдохновении на исследование себя и окружающего мира.

Осенью, когда природа готовится к зиме, многие задумываются о новых начинаниях. Геннадий Тростянецкий, известный тренер и режиссер, предлагает заняться просмотром "Моих биографий" - спектакля, который поможет каждому участнику понять свои сильные и слабые стороны. Из этого опыта должна вырасти идея крупного творческого проекта, охватывающего различные аспекты творчества: от движения и вокала до актерского мастерства.

Перед тем, как приступить к созданию большой работы, необходимо начать с малого - сделать этюд, небольшую сценку. Пустая площадка, белая стена, коврик - только это и ничего больше. Но именно в этой минимализме должно быть что-то, что вызовет волнение у зрителей, что-то, что дотронется до их сердец.

Ведь искусство и театр всегда стремятся к тому, чтобы перейти от сердца к сердцу зрителя. Радость, веселье, эмоции - все это является ключом к истинному искусству, которое способно тронуть души и оставить незабываемый след в сердцах зрителей.

В октябре спектакль "Белый. Петербург" отправится на гастроли в Москву. Показ состоится на сцене театра "Новая Опера" имени Е.В.Колобова 25 октября. Этот уникальный спектакль, основанный на произведениях Федора Достоевского, уже успел завоевать сердца зрителей в разных городах России.

Приглашаем всех ценителей театрального искусства на увлекательное путешествие по миру великого русского писателя. "Белый. Петербург" - это не просто спектакль, это настоящее искусство, способное перенести зрителя в мир глубоких чувств и философских размышлений.

Спектакль "Белый. Петербург" - это не просто театральное представление, это возможность окунуться в атмосферу XIX века и почувствовать дух той эпохи через призму современного театрального искусства. Не упустите шанс стать частью этого удивительного театрального путешествия!

Источник и фото - rg.ru